Nobilitierung der kleinen Dinge

Charakteristisch für die keramische Malerei von Grita Götze ist die meisterhaft illusionistische Wiedergabe von Dingen aus ihrem engsten häuslichen Umfeld – seien es die Blumen und Gräser im Garten, das Unkraut zwischen den Steinen, Insekten in der Wiese oder die Gegenstände ihrer Werkstatt. Geschickt eingewoben in ihre Bildsprache sind bisweilen historische Anspielungen, die von Ferne die Epoche der Renaissance oder auch des Jugendstils anklingen lassen.

Grita Götze hat eine eigene Technik aus Engoben (Angüssen aus gefärbten Tonmassen) entwickelt, die in mehreren Arbeitsphasen, partienweise mit Papierschablonen abgedeckt, aufgegossen, bemalt und glasiert werden. Dabei entsteht eine verblüffende räumliche Tiefenwirkung. Mit diesem höchst aufwendig erzielten „Trompe l’œil“-Effekt wird auch den kleinsten und scheinbar nebensächlichen Details eine Bedeutung beigemessen. Götzes Keramiken machen empfänglich für die Poesie des Alltags.

Grotesken

Grita Götze hat 2006/08 eine Reihe von Tellern gefertigt, deren Dekore aus einer Kombination von Grotesken und illusionistisch gemalten Früchten bestehen. Während die Grotesken der Renaissance jedoch streng achsensymmetrisch angeordnet sind, lässt Grita Götze sie quasi „über den Tellerrand“ hinausweisen und bindet sie in ihre eigenen Bildwelten ein.

Grotesken gehören zu den charakteristischen Ornamenten der Renaissance-Epoche. Sie bestehen aus ineinander übergehende Figuren und Ranken. Die im Dialog mit Grita Götzes Tellern gezeigten italienischen Majoliken sind mit Grotesken bemalt. Auch in den geschnitzten Dekoren des sog. "Haldenstein-Zimmers" sind Grotesken zu entdecken. Letztlich geht der Dekor auf die römische Antike zurück. Ende des 15. Jahrhunderts wurden in Rom Teile der Domus Aurea, des „Goldenen Palastes“ von Kaiser Nero, ausgegraben. Die Raumdekore, die dabei zu Tage kamen, waren jahrhundertelang verschüttet gewesen. Da sie nun grottengleich erschienen, nannte man sie „alla grottesca“.

„Belle-Donne“-Schalen

Teller und Schalen mit den Darstellungen schöner Damen, die sogenannten „Belle-Donne“-Schalen, gehörten um und nach 1500 zu den beliebtesten Artikeln der Majolikaproduktion in Italien. Es waren Liebesgaben, die von wohlhabenden Männern in Auftrag gegeben und ihrer Angebeteten überreicht wurden. Besonders qualitätvolle „Belle Donne“-Schalen entstanden in Faenza. Im strengen Profil sind Frauenbüsten auf dunklem Grund gemalt. Das Weiß der Glasur ist dem Inkarnat vorbehalten. Beischriften wie „Cornelia Regina“ geben den Idealbildnissen eine persönliche Note.

Mit ihrer Tellerreihe „Nach dem Bade“ aus dem Jahr 2008 übersetzt Grita Götze diese Renaissance-Tradition in die Gegenwart. Das mit großen Blüten verzierte rote Badetuch verleiht der jungen Frau eine gleichermaßen private wie würdevolle Ausstrahlung. Das Rot des Tuchs bildet einen Kontrast zum gelben, mit Grotesken versehenen Hintergrund.

Die Fabelwelt der Antike, insbesondere Ovids Metamorphosen, hat Heidi Manthey zeitlebens inspiriert: In ihren malerischen Dekoren und plastischen Figuren variiert sie bestimmte Motive immer wieder und komponiert daraus keramische Gefäße und Objekte.
Zu ihren bevorzugten mythologischen Gestalten gehören Aktaion, der in einen Hirschen verwandelte Jäger, die Nymphe Daphne, aus der laut Ovid ein Lorbeerstrauch wurde, und Mischwesen wie Sirenen, Nereiden und Faune. Eine Metamorphose geschieht auch, wenn Heidi Manthey fertige Produkte bemalt und zu etwas Neuem macht – sei es eine Kanne der HB-Werkstätten von Hedwig Bollhagen in Marwitz oder eine Vase aus Meißener oder Berliner Porzellan.

Blau gefärbte Glasuren und Helmkannen

Seit den späten 1950er Jahren hat Heidi Manthey sich intensiv mit der Fayencemalerei beschäftigt. Während sie zunächst nur in Scharffeuer-Blaumalerei auf weißem Grund gearbeitet hat, kamen ab Mitte der 1970er Jahre weitere Farben wie Grün, Gelb und Manganrot hinzu. Ab 1978 entwickelte sie eine blau eingefärbte Fayenceglasur, die den Grund für polychrome Bemalung bildet.

Plastische Gefäßgestaltung

Im Werk von Heidi Manthey sind weibliche Flügelwesen und Echsen in vielfachen Varianten anzutreffen, als plastisch ausgeformte Gefäßstützen oder Kannenhenkel und bei den gemalten Dekoren. Der reine Gebrauchszweck ist bei Mantheys Keramiken zweitrangig. Im Zentrum stehen vielmehr Fantasie und der spielerische Umgang mit historischen Vorbildern.

Das plastische Material Ton eignet sich wie kein anderes für die Verbindung von Figur und Gefäß. Auch in der italienischen Majolika der Renaissance spielte der plastische Dekor eine wichtige Rolle. Angesichts der dickflüssigen weißen Zinnglasur stellte die feinteilige Modellierung eine besondere technische Herausforderung dar. Als Beispiel ist hier ein um 1625 gefertigtes Salzgefäß mit weiblichen Flügelwesen zu sehen.

Echsenhenkel

Echsenförmige Henkel hat Heidi Manthey in den verschiedensten Varianten dargestellt. Mit der ihr eigenen spielerischen Fantasie lässt sie Echsen aus Porzellan in den Rand eines Kännchens beißen oder vorwitzig in das Innere einer Fayencevase blicken.

Bereits in der Antike bildeten keramische Gefäße geflochtene Körbe, lederne Weinschläuche, Kürbisgefäße oder Bronzebehältnisse nach. Die originelle Majolikakanne mit Echsenhenkel, deren Gefäßkörper an einen Drachen- und Vogelkörper erinnert und auf einem Schildkrötenfuß ruht, hat sich ein antikes Keramikgefäß zum Vorbild genommen, das wiederum metallene Gefäße nachahmte.

Zinnglasierte Apothekengefäße

Die Geschichte der Majolika und Fayence hat auch einen medizinhistorischen Aspekt: Dass sich in Italien während der Renaissance die Technik der zinnglasierten Keramik etablierte, hing auch mit der großen Pestepidemie des 14. Jahrhunderts zusammen. In Florenz und anderen Städten entstanden bedeutende Hospitäler, deren Apotheken mit Majoliken ausgestattet wurden. Die weiß glasierten, wasserabstoßenden Keramiken waren hygienischer als Gefäße aus Holz oder Metall und daher besser zur Aufnahme von Arzneimitteln, Pflanzenextrakten und Ölen geeignet. Zudem waren sie dekorativ. Das gab der noch jungen Majolikaproduktion Auftrieb.

Im Barock setzte sich die Tradition auch nördlich der Alpen fort. Die allerorten gegründeten Fayencemanufakturen – wie auch diejenige in Berlin – belieferten Hof-, Stadt- und Klosterapotheken mit blau-weißen Keramiken. Aus Italien übernommen wurde auch der Typus des „Albarello“, ein zylindrischer Behälter für Arzneien.

Heidi Manthey erhielt 1969 den Auftrag, die Apotheke am Alexanderplatz in Berlin mit Fayencen auszustatten. Der Auftrag bedeutete für sie Ansporn und Bestätigung zugleich, sich intensiv mit historischen Fayencen zu beschäftigen und moderne figürliche Dekore in klassischer Blaumalerei zu entwerfen.

Sowohl im Medium der Keramik als auch der Grafik widmet sich Sonngard Marcks der Darstellung von Naturmotiven. Dabei stellt sie sich bewusst in die Tradition des Barock ein. In der botanischen Präzision ihrer Zeichnungen spiegelt sich ihre Bewunderung für Maria Sibylla Merian (1647–1717) und Giovanna Garzoni (1600–1670) wider. Auch die von Sonngard Marcks angewandte Technik der Fayencemalerei und die plastischen Schaugerichte als Elemente der festlich geschmückten Tafel finden ihre Vorläufer im Barock.
Dahinter steht ein Grundgedanke, der die Barockepoche gerade heute hochaktuell erscheinen lässt: die Schönheit, aber auch Fragilität und Vergänglichkeit („vanitas“) der Schöpfung. Diesen Gedanken übersetzt Sonngard Marcks mit ihren Keramiken und Grafiken in die Gegenwart und macht ihn sinnlich erfahrbar.

Blumen- und Insektenmalerei

Tafelservice aus Fayence und Porzellan weisen im 18. Jahrhundert oftmals Blumen- und Insektenmalereien auf. In der Ästhetik von Barock und Rokoko gingen Natur- und Kunstformen eine enge Verbindung ein: In den Schlössern zierten Rocaillen, Ranken und Fruchtgirlanden die Innenausstattung, während die Gartenanlagen nach künstlerischen Prinzipien gestaltet waren. Die farbenfrohen Blumenmalereien der Service brachten die Natur auf die Tafel. Der Maler und Manufakturgründer Adam Friedrich von Löwenfinck arbeitete zunächst an der Meißener Porzellanmanufaktur und wechselte ab 1736 an die Fayencemanufakturen von Bayreuth, Ansbach und Fulda. In Fulda schuf er Dekore stark stilisierten, ostasiatisch inspirierten Blumen in leuchtenden Farben auf weißem Grund, die man damals als „indianisch“ bezeichnete.

Sonngard Marcks interpretiert die Tradition der Blumen- und Insektenmalerei auf Fayence in eigener Weise. Konturenbetont und dennoch naturalistisch genau sind ihre Dekore, die die herkömmliche Trennung zwischen Tellerspiegel und -fahne überspielen.

Bei ihrem Teller „Halb und Halb“ bringt Sonngard Marcks die sahnig-weiße Zinnglasur der Fayencetechnik besonders wirkungsvoll zur Geltung, indem sie unbemalte Partien mit feinster Fayencemalerei kontrastiert – halb „amor vacui“, halb „horror vacui“. In die blauen Dekorpartien ist ein Chinese mit Sonnenschirm eingewoben – eine subtile Anspielung auf die chinesischen Blauweißporzellane, die im 17. Und 18. Jahrhundert von den europäischen Fayencekünstlern imitiert wurden.

Die "Große Schneeballvase" von Sonngard Marcks verbindet feinste Fayencemalerei mit plastischer Gestaltung. Generell entziehen sich ihre Vasen und gesockelten Deckeldosen jedem Gebrauchszweck, sind vielmehr keramische Bildwerke, die von allen Seiten zum Betrachten einladen. Mit ihrer Schneeballvase erweist Sonngard Marcks dem berühmten Rokokovobild aus Meißener Porzellan ihre Reverenz.

Schaugerichte

Die Schaugerichte von Sonngard Marcks weisen nicht nur ein hohes Maß an kunsthandwerklichem Können auf, sondern sie vermitteln auch eine Botschaft: Denn so zerbrechlich und fragil die Keramik ist, so schützenswert ist auch der Reichtum der Natur.

Bewusst knüpft sie mit ihren Schaugerichten an die Tradition barocker Festtafeln an. Im 18. Jahrhundert bildeten Künstler Früchte, Gemüse aber auch Truthähne, Fasanen oder Wildschweinköpfe täuschend echt in Fayence und Porzellan nach. Bunt bemalte Terrinen in Gestalt von Tieren, Kohlköpfen oder Melonen dienten zugleich als Gefäße und stellten einen Augenschmaus der besonderen Art dar. Füllhörner und Fruchtgirlanden, die Wohlstand und Genuss versinnbildlichen, zieren auch die barocken Stuckdecken und Deckenmalereien in Schloss Köpenick.

Mit dem Schaugericht „Surinam“ spielt Sonngard Marcks auf die Künstlerin und Naturforscherin Maria Sibylla Merian (1647-1717) an, die 1699 eine Reise in das südamerikanische Land unternahm, dort die vielfältige Flora und Fauna zeichnete und in ihrem Werk "Metamorphosis insectorum Surinamensium" für die Nachwelt dokumentierte.