Sieben auserlesene Objekte der Weimarer Ausstellung "Von Delacroix bis Warhol"

Ob kräftige Pinselstriche, überraschende Zusammenhänge, faseriges Papier, eigenwillige KünstlerInnen oder pulverige Kreide... Sieben ausgewählte Schenkungen der Graphischen Sammlungen Weimars im Vergleich, unter der Lupe, im Fokus, mit viel Leidenschaft für Details.

Jedes Blatt zeigt eine andere Facette der Faszination für graphische Objekte und das Verantwortungsbewusstsein, mit dem die Museen der Klassik Stiftung Weimar ihre Bestände pflegen und erweitern.

Die Graphischen Sammlungen der Klassik Stiftung Weimar

Die Graphischen Sammlungen Weimars bieten einen umfassenden Überblick über das graphische Schaffen in Europa vom 15. Jahrhundert bis in die Gegenwart. Sie zählen zu den bedeutendsten Grafiksammlungen in Deutschland. Vielseitiges Engagement für Kunst sowie Schenkungen ermöglichen es, die Bestände der Graphischen Sammlungen weiterhin auszubauen.

Das helle Licht Marokkos bestimmt die hier abgebildete Graphik von Eugène Delacroix, einer der prägendsten französischen Künstler des 19. Jahrhunderts.

Delacroix gehörte sein Leben lang zu den zentralen Zirkeln des Pariser Kunstlebens. Viele seiner graphischen Werke werden aufgrund der Qualität und Ausführung heutzutage als Meisterzeichnungen bezeichnet. Bei allem orientalischen Zauber ist das räumlich raffiniert gestaffelte Aquarell präzise ausgeführt: Das Gerüst von Bleistiftkonturen zeugt von einer sorgsamen Betrachtungsweise. Die antiken Überreste taucht er in einen rötlich-gelben Schimmer. Zahlenangaben lassen archäologisches Interesse vermuten.

Delacroix erarbeitet sich seine eigene Formensprache des Orientalismus. Er führte zahlreiche ›carnets‹, Skizzenbücher, mit sich, die er mit einer Vielzahl von Motiven füllte. Eine Grundlage für viele Schaffensjahre.

In einem der Carnets befand sich offenbar das Blatt der nordafrikanischen Küstenlandschaft. Man vermutet, dass dieses Carnet später aufgelöst wurde. Erstaunliches findet sich auf der anderen Seite des Blattes: eine Studie zum weltbekannten ›Freiheitsbild‹ von Delacroix, La Liberté guidant le peuple.

Eine um 1800 entstandene Federzeichnung in Grau über schwarzer Kreide, aquarelliert auf Bütten.

Johann Heinrich Tischbein zeichnete sein Leben lang passioniert Tiere. Vor allem die Gesichter der Tiere faszinierten den Malerfreund Goethes und er verglich physiognomisch Menschen und Tiere. Aber welches Tier blickt uns tatsächlich an? Ein Wolf, ein Dachs oder gar ein Waschbär?

Diese Handzeichnung trägt tatsächlich den Titel Wolfskopf. Interessant wird es aber, wie sich der Wolf zum Fuchs wandelt...

Die 'Copy&Paste'-Variante des jungen Romantikers Philipp Otto Runge, der viele Bildwerke in drucktechnischen Verfahren schuf, verdutzt und lässt einen rätseln: Runge war von Tischbeins Tierphysiognomien angetan, kopierte einige, so auch die vorliegende Zeichnung. Runges Kopien befinden sich heute in der Hamburger Kunsthalle, jedoch sind diese als Kopf eines Fuchses betitelt.

Goethe viermal schrill und schillernd, gesiebt und gedruckt:

Ein traditionelles Sammelgebiet der Klassik Stiftung Weimar besteht in der Dokumentation der Wirkungsgeschichte von Goethe. Der Erwerb der prachtvollen Serie von vier Farbserigraphien Andy Warhols nach Tischbeins Goethe in der Campagna, um 1786/87, galt lange Zeit als utopisch.

Andy Warhol begann in den frühen 1960er Jahren, Pressefotos von amerikanischen Berühmtheiten im Siebdruck zu reproduzieren. Anlässlich eines Portrait-Auftrags kam Warhol Anfang der 1980er Jahre nach Frankfurt am Main. Den Berichten zufolge entdeckte er den Frankfurter Goethe zufällig im Original. Bei einem Besuch des Städels wurde Warhol auf den Goethe in der Campagna aufmerksam gemacht und angeregt, eine Variation der Komposition zu gestalten. Warhol schuf einen großformatigen Goethe auf der Leinwand, 1982 dann die vier Farbserigraphien. Hierfür waren fotografische Aufnahmen der künstlerischen Gestaltung vorangegangen.

Was auf dem Kunstmarkt angeboten wird, ist nicht immer direkt eindeutig KünstlerInnen zugewiesen. Erst durch ExpertInnen können anonyme Werke durch den stilistischen Vergleich mit anderen Objekten bestimmt werden.

Vor einigen Jahren konnten die Graphischen Sammlungen mithilfe einer Spende dieses außergewöhnliche Werk bei einer Auktion erwerben. Aufgrund seiner besonderen Qualität war es von großem Interesse, jedoch war die Urheberschaft noch ungewiss. Von vielen ExpertInnen wurde das Blatt als hervorragende Arbeit eingestuft. Die Ausführung der Maltechnik, aber auch das gewählte Bildthema in seiner Umsetzung war von Belang.

2014 konnte das erworbene Werk dank Florian Siffer, Musées de la Ville de Strasbourg, bestimmt werden. Es handelt sich um ein Selbstbildnis des Künstlers Guérin. Ein ausschlaggebender Anhaltspunkt: In den Graphischen Sammlungen des Musées de la Ville de Strasbourg befindet sich eine identifizierte Kopie des Guérin-Schülers Heinrich Schalk.

Was macht dieses Selbstbildnis des Künstlers aus? Es ist eine sehr persönliche und intime Arbeit: der Künstler mit einem wachsamen Blick, einer Zeichenmappe ausgestattet, den Stift zum Zeichnen in der Hand. Er fokussiert neugierig das Gegenüber, letztendlich uns, die BetrachterInnen des Bildnis.

Guérin gelang eine Karriere als herausragender Miniaturist zur Zeit der Französischen Revolution. Er portraitierte namhafte Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens wie Georgina Duchess of Devonshire, Marie-Antoinette oder auch König Ludwig XVI.

Umso interessanter, dass die Haare – entsprechend der Mode im Zeitalter der Revolution – offenbar nicht mehr gepudert sind. Das Selbstbildnis des Künstlers zwischen Zeitzeugnis und Selbstverständnis der individuellen Künstlerschaft.

Mit dem bloßen Auge sind spezielle Details an Grafiken nicht mehr zu erfassen. Feinste Linien oder auch Farbspuren werden erst mithilfe moderner Kunsttechnologie sichtbar.

Die Visualisierung von Materialität lässt Unerwartetes regelrecht aufleuchten. Das Objekt erscheint durch diese bildgebenden Verfahren in einem anderen Licht. Die ursprüngliche Sehweise auf das Objekt kann sich dabei verändern. Dank mikroanalytischer Verfahren ist es WissenschaftlerInnen und RestauratorInnen möglich, einen weiteren Zugang zum Objekt zu finden und Tradiertes zu hinterfragen.

Analysemethoden geben wichtige Hinweise zur Beantwortung von kulturhistorischen Fragestellungen. 

Sie ermöglichen, Aussagen zu umweltbedingten Materialschäden zu treffen. Eine wichtige Information, um geeignete Restaurierungs- oder Konservierungskonzepte zu erstellen. Neben der Weiterentwicklung von zerstörungsfreien Analysemethoden sind auch immer restauratorische und konservatorische Maßnahmen von Belang.

Zerstörungsfreie Analysen erlauben Untersuchungen ohne Probenentnahmen, kostbare Objekte werden geschont.

Verwendet werden bildgebende Verfahren wie die Multispektralanalye und der Röntgenfluoreszenz-Scan. Sie visualisieren für das menschliche Auge nicht sichtbare Inhalte wie Vorzeichnungen, farbliche oder physische Korrekturen des Künstlers, aber auch innere Strukturen des Werks.

Ausgeführt in den Kreidetönen Schwarz, Weiß und Rot auf bräunlichem Tonpapier, die Zeichentechnik namens ›aux trois crayons‹. Von geradezu altmeisterlicher Qualität ist die Zeichnung von Vigée-Le Brun zu begreifen. 

Eine Mutter schaut mit gesenkten Augenlidern auf ihr Kind herab. Der Kopf des Kindes ist nur umrisshaft erfasst. Das Antlitz der Mutter ist teils zart, teils mit impulsiv gesetzten Schraffurlagen der Binnenzeichnung herausgearbeitet.

Die Zahl der überlieferten Zeichnungen von Vigée-Le Brun ist nicht groß. Daher handelt es sich hierbei um eine weitere Seltenheit aus den Graphischen Sammlungen Weimars.

Vigée-Le Brun wurde von ihrem Stiefvater ausgebildet. Bereits im Alter von 15 Jahren arbeitete sie als professionelle Porträtmalerin. Da ihr Atelier allerdings nicht öffentlich legitimiert war, wurde es 1774 wieder geschlossen. Eine Heirat mit dem Maler und Kunsthändler Jean-Baptiste Pierre Le Brun öffnete ihr den Zugang zu höchsten Kreisen. Sie stieg zu einer führenden Porträtistin adliger Persönlichkeiten auf.

Schon 1778 malte Vigée Le-Brun in Versailles Königin Marie-Antoinette, die sie fortan als Künstlerin bevorzugte und sogar als Freundin bezeichnete. 

In diesem Kontext ist die Provenienzangabe zum Blatt äußerst interessant. Laut Rechercheergebnissen stammt die Studie von einem Nachfahren eines Sekretärs der Königin Marie-Antoinette. Wie das Blatt in den Besitz der Familie gekommen ist, kann hier nicht im Detail geklärt werden. Die Provenienzforschung ist jedoch immer wichtige Teildisziplin der Kunstgeschichte. Die Herkunftsgeschichte eines Objekts zeigt nicht nur Beziehungsgeflechte auf, sie ist auch Grundlage für die verantwortungsvolle Regelung von Besitzverhältnissen. Korrekte und rechtmäßige Provenienzangaben sind unerlässlich, wenn Kunstgut in Sammlungen aufgenommen werden soll.